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Parola d’Artista: For most artists, childhood plays a fundamental role in the development of their imagery. Was it the same for you, tell us?
Nicola Turner: Yes, my mother is a very creative person and I grew up surrounded by needles, scissors, fabric and thread. I was encouraged to sew from a young age and was surrounded by items stitched by my mother, grandmother and great-grandmother. My mother also worked as an upholsterer so I spent time watching her taking chairs apart, revealing the innards, the horsehair and springs.
P.d’A.: What studies did you do?
N.T.: After a year Art Foundation, I did a BA hons degree in Theatre Design at Central St Martins, London. I was encouraged by my family to study a subject that led to a career. I recently completed a MA in Fine Art at Bath Spa University.
P.d’A.: Were there any important encounters during your formative years?
N.T.: I spent a lot of time in the classroom with my art teacher Janet Shoard who taught art and art history. My Grandfather Jack Turner was an architect, working with George Coles & Co, and I inherited his plan chest and work table as well as some books from his library. In my childhood, I was taken to museums and around old buildings, by my parents and spent many hours in flea markets and brocantes.
P.d’A.: What importance do you attach to the physicality and materials you use in your work?
N.T.: Material is a major part of my practice. I use materials from organic ‘dead’ matter such as horsehair – a material used previously for bedding and furniture and, in that regard, alive with history and memory. I explore how these materials give off energy forces, including how “dead” matter can provoke a visceral aversion and attraction, that can provoke new ways of looking. My pieces are part of a vital and thriving microcosmos comprised of human and non-human agents which functions mostly beyond our conscious contemplation. I also combine found objects that hold traces of memory, with the shapes of living forms. I am interested in tendrils and tentacles as ‘feelers’ responding to surfaces as they engulf them, rather than viewing from a distance. My materials are lightweight and can be easily manipulated enabling me to transport them and to work at scale.
P.d’A.: Are you interested in the idea of a body?
N.T.: I am interested in the idea that our body is made up of many different ecosystems and that we extend beyond the surface of our skin. I am fascinated by the traces we leave and what we absorb from the past. In my practice I investigate the dissolution of boundaries, liminal states, and continuous exchanges across ecosystems. In doing so, I explore the interconnection of life and death, human and non-human, attraction and repulsion.
P.d’A.: When did you start using black and why?
N.T.: I started using dark colours through drawing in charcoal, compressed charcoal and black oil sticks. I then took my drawings off the page into 3D. I use materials in their natural colour for example the horsehair I use is naturally dark. My practice explores melancholy and the liminal space between life and death. Dark colours include browns, greys and blacks, often with flecks of whites and lighter browns. Since I started using wool fleece, I also have introduced lighter coloured wools into my practice. I am interested in the passions within emotions such as melancholy.
P.d’A.: How do you work in the space you are confronted with from time to time?
N.T.: In my practice I respond to place. In the past few years, I have enjoyed responding to landscape and architecture, both inside and outside. While on a residency in Iceland, I sourced some local wool, created tendrils and took the material up into the landscape responding to rocks, cracks, waterfalls and crevices. When I am in situ, I often do not know what will emerge until I am in the process of making. Sometimes, when responding to architecture, I create a pre-made framework to protrude and hold material. Even with a framework there is the freedom to adapt and shift the material once on location.
P.d’A.: In relation to the idea of preparing an exhibition, are you interested in the idea of staging?
N.T.: I believe it is important to question how viewers approach my work. When creating an exhibition, I am aware of the journey of the viewer. How will they walk through the space? Sometimes I include a performative response to my work. I collaborate with the artist Clare Whistler, as TURNER + WHISTLER, embedding movement and sound into site responsive installations.
P.d’A.: How do you position yourself in relation to your work?
N.T.: My work emerges from my lived history. I draw on my own experience of loss, bereavement and medical intrusions. My work and the materials used provoke awareness of the entanglement of life, challenging individuality and creating awareness of the wider interconnected energies of which we are a part. I work intuitively and often get a gut response to material and place. I notice references in my work to hanging on, not letting go, hovering slightly above the ground and feeling squeezed. All these emotions I can associate with my personal journey.
Nicola Turner is a UK based artist. Recent exhibitions include Royal Academy Summer Exhibition 2024, London; Song of Pysche, Shtager Shch, London; New Day, New Dawn, Bomb Factory Art Foundation, Marylebone, London. With a background in set and costume design Turner graduated from Central St Martins School of Art & Design and has designed for The Royal Opera House, San Francisco Opera, Scottish Ballet and Sydney Opera House where she was the recipient of a Green Room Award. In 2019 she completed a MA in Fine Art at Bath Spa University. Turner runs FORM-ica, an independent collective of artists, in her hometown.
Intervista con N I C O L A T U R N E R (versione italiana)
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Parola d’Artista: Per la maggior parte degli artisti, l’infanzia gioca un ruolo fondamentale nello sviluppo della loro immaginazione. È stato lo stesso per te? Raccontaci.
Nicola Turner: Sì, mia madre è una persona molto creativa e sono cresciuta circondata da aghi, forbici, tessuti e fili. Sono stata incoraggiata a cucire fin da giovane e sono sempre stata circondata da oggetti cuciti da mia madre, mia nonna e la mia bisnonna. Mia madre lavorava anche come tappezziera, quindi passavo del tempo a guardarla mentre smontava sedie, rivelando l’interno, crini di cavallo e molle.
P.d’A.: Quali studi hai fatto?
N.T.: Dopo un anno di corso preparatorio in Arte, ho conseguito una laurea con lode in Scenografia Teatrale al Central St Martins di Londra. La mia famiglia mi ha incoraggiata a studiare una materia che potesse portare a una carriera. Di recente, ho completato un master in Belle Arti presso la Bath Spa University.
P.d’A.: Ci sono stati incontri importanti durante i tuoi anni formativi?
N.T.: Ho passato molto tempo in classe con la mia insegnante d’arte, Janet Shoard, che insegnava arte e storia dell’arte. Mio nonno Jack Turner era un architetto, lavorava con George Coles & Co, e ho ereditato da lui un tavolo da disegno, il suo cassettone e alcuni libri dalla sua biblioteca. Durante l’infanzia, i miei genitori mi portavano spesso nei musei e in vecchi edifici, e passavamo molto tempo nei mercatini delle pulci e nei brocantes.
P.d’A.: Che importanza attribuisci alla fisicità e ai materiali che usi nel tuo lavoro?
N.T.: Il materiale è una parte fondamentale della mia pratica. Uso materiali organici “morti” come i crini di cavallo, un materiale un tempo usato per letti e mobili, e in questo senso, vivo di storia e memoria. Esploro come questi materiali emettano forze energetiche, incluso il modo in cui la materia “morta” possa provocare sia avversione che attrazione viscerale, stimolando nuovi modi di vedere. Le mie opere fanno parte di un microcosmo vitale e dinamico, composto da agenti umani e non umani, che funziona per lo più oltre la nostra consapevolezza cosciente. Combino anche oggetti trovati che conservano tracce di memoria, con forme viventi. Mi interessano i viticci e i tentacoli come “sensori” che rispondono alle superfici che avvolgono, piuttosto che osservarli a distanza. I miei materiali sono leggeri e facilmente manipolabili, il che mi consente di trasportarli e lavorare su larga scala.
P.d’A.: Sei interessata all’idea di corpo?
N.T.: Sono affascinata dall’idea che il nostro corpo sia composto da molti ecosistemi diversi e che si estenda oltre la superficie della nostra pelle. Mi incuriosiscono le tracce che lasciamo e ciò che assorbiamo dal passato. Nella mia pratica indago la dissoluzione dei confini, stati liminali e continui scambi tra ecosistemi. Esploro così l’interconnessione tra vita e morte, tra umano e non umano, tra attrazione e repulsione.
P.d’A.: Quando hai iniziato a usare il nero e perché?
N.T.: Ho iniziato a usare colori scuri attraverso il disegno con il carbone, il carbone compresso e i bastoncini d’olio neri. Poi ho portato i miei disegni dal foglio alla tridimensionalità. Uso materiali nel loro colore naturale, ad esempio i crini di cavallo che utilizzo sono naturalmente scuri. La mia pratica esplora la malinconia e lo spazio liminale tra la vita e la morte. I colori scuri includono marroni, grigi e neri, spesso con macchie di bianco e marroni più chiari. Da quando ho iniziato a usare il vello di lana, ho anche introdotto lane di colori più chiari nella mia pratica. Mi interessa la passione che risiede nelle emozioni come la malinconia.
P.d’A.: Come lavori nello spazio che ti trovi a occupare di volta in volta?
N.T.: Nella mia pratica rispondo al luogo. Negli ultimi anni ho apprezzato rispondere al paesaggio e all’architettura, sia all’interno che all’esterno. Durante una residenza in Islanda, ho trovato della lana locale, ho creato viticci e portato il materiale nel paesaggio rispondendo a rocce, crepe, cascate e fessure. Quando sono in loco, spesso non so cosa emergerà finché non sono nel processo di creazione. A volte, rispondendo all’architettura, creo una struttura predefinita per sporgere e sostenere il materiale. Anche con una struttura, c’è la libertà di adattare e modificare il materiale una volta sul posto.
P.d’A.: In relazione all’idea di preparare una mostra, ti interessa l’idea di messa in scena?
N.T.: Credo sia importante interrogarsi su come gli spettatori si avvicinino al mio lavoro. Quando creo una mostra, sono consapevole del percorso del visitatore. Come attraverseranno lo spazio? A volte includo una risposta performativa al mio lavoro. Collaboro con l’artista Clare Whistler, come TURNER + WHISTLER, integrando movimento e suono in installazioni site-specific.
P.d’A.: Come ti posizioni in relazione al tuo lavoro?
N.T.: Il mio lavoro emerge dalla mia storia vissuta. Mi rifaccio alla mia esperienza di perdita, lutto e intrusioni mediche. Le mie opere e i materiali utilizzati provocano una consapevolezza dell’intreccio della vita, sfidando l’individualità e creando una consapevolezza delle energie interconnesse di cui facciamo parte. Lavoro in modo intuitivo e spesso ho una reazione viscerale al materiale e al luogo. Noto riferimenti nel mio lavoro al restare aggrappati, al non lasciarsi andare, all’essere sospesi appena sopra il suolo e al sentirsi compressi. Tutte queste emozioni le associo al mio percorso personale.
Nicola Turner è un’artista britannica. Le sue mostre recenti includono la Royal Academy Summer Exhibition 2024, Londra; *Song of Psyche*, Shtager Shch, Londra; *New Day, New Dawn*, Bomb Factory Art Foundation, Marylebone, Londra. Con un background in scenografia e design di costumi, Turner si è laureata alla Central St Martins School of Art & Design e ha lavorato per il Royal Opera House, la San Francisco Opera, lo Scottish Ballet e la Sydney Opera House, dove ha ricevuto il Green Room Award. Nel 2019 ha completato un master in Belle Arti presso la Bath Spa University. Turner gestisce FORM-ica, un collettivo indipendente di artisti, nella sua città natale.
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