Intervista a Gabriele Picco

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Parola d’Artista: Per la maggior parte degli artisti, l’infanzia rappresenta il periodo d’oro in cui iniziano a manifestarsi i primi sintomi di una certa propensione ad appartenere al mondo dell’arte. È stato così anche per te? Racconta.

Gabriele Picco: Da bambino ho sempre avuto il desiderio di imparare a rappresentare le cose sui fogli con le matite colorate o i pennarelli. Mi divertivo a copiare i fumetti di Topolino, un giorno feci una gara con mio cugino a chi avrebbe copiato meglio su un foglio il Mosè di Michelangelo. Una figura importante della mia infanzia è stata mio zio Alfredo, architetto appassionato di arte e di cinema che si dilettava a dipingere e che mi spiegò per esempio il senso di certi quadri di Pollock. Così a scuola, avrò avuto 8 anni, mi divertii a scandalizzare i miei compagni con dei disegni astratti. Delle vacanze in montagna con i miei genitori ricordo soprattutto le mie soste davanti ai dipinti appesi nei rifugi o negli alberghi, immaginando che un giorno anch’io avrei dipinto i miei quadri.

P.d’A.: Quali studi hai fatto?

G.P.: Liceo scientifico indirizzo artistico sperimentale e poi laurea in lettere indirizzo Storia dell’arte alla Statale di Milano.

P.d’A.: Ci sono statti degli incontri importanti durante la tua formazione?

G.P.: Mio zio Alfredo, che mi portò a vedere alcune mostre, come quella della collezione Thyssen-Bornemisza a palazzo Ruspoli a Roma nel 1990, in cui a sedici anni potei vedere dal vivo Chagall, Nolde, Klee, e altri maestri dell’espressionismo. Durante il liceo fu importante il mio professore di filosofia, Vincenzo Forsetti, appassionato di arte che mi fece scoprire Burri. Durante gli anni dell’università studiavo l’arte del rinascimento, ma allo stesso tempo leggevo Flash Art e cominciavo a vedere mostre di artisti contemporanei. In ogni città in cui mi capitava di andare cercavo le gallerie d’arte sulle pagine gialle e le visitavo.

P.d’A.: Che ruolo ha il disegno in quello che fai?

G.P.: Il disegno è l’inconscio che mi parla, ed è da lì che nascono quasi sempre le mie idee anche per dipinti e sculture e perfino racconti o romanzi.

P.d’A.: Dopo la prima mostra personale “Disegniacci e disegnini”  il tuo lavoro si sviluppa in molteplici direzioni Disegno, Pittura con varie modalità, scultura, Installzioni e Romanzi puoi raccontare alcuni dei passaggi importanti per te del tuo percorso?

G.P.: Leggendo Flash Art ero venuto a conoscenza dell’archivio di Viafarini a cui mandai il mio portfolio. Era l’estate del 1995 e venni subito chiamato per una collettiva in autunno, Conoscere, curata da Alessandra Galletta. In quella mostra esposi quattro sculture e vendetti per la prima volta un’opera a una persona che non fosse un amico o un parente, ma un critico d’arte: Tommaso Trini. Nel 97 partecipai a un workshop in Viafarini insieme ad altri giovani artisti con Jimmie Durham, e quell’esperienza fu molto importante per me. Fu proprio durante quei giorni che ricominciai a disegnare, cosa che avevo fatto intensamente dai diciassette ai vent’anni.  Jimmie Durham mi aveva trasmesso un senso di libertà che mai avevo sperimentato.  Lo stesso anno venni selezionato alla Fondazione Ratti, con Allan Kaprow come visiting professor ed ebbi la possibilità di confrontarmi con artisti miei coetanei provenienti da tutto il mondo.

I passaggi importanti sono sicuramente la mia mostra personale di esordio, a fine 1998, che capitò quasi per caso. Dopo l’esperienza alla Fondazione Ratti mi presi una pausa dedicandomi al cinema: avevo appena girato un cortometraggio ed ero a Venezia al festival del cinema come spettatore quando chiamando casa mia madre mi disse che mi aveva cercato Patrizia Brusarosco. Io la richiamai da una cabina del Lido di Venezia, e lei mi chiese se avevo abbastanza materiale per una mostra personale nello spazio di Viafarini che avrebbe voluto inaugurare a ottobre o novembre.  Io mentendo dissi di  sì, presi il primo treno intercity per Brescia e mi rinchiusi in casa per un mese a dipingere. Alla fine erano più di duecento lavori. Applicai le carte su fogli di alluminio, memore di un consiglio che aveva dato Andres Serrano a una conferenza milanese coordinata da Roberto Pinto e Marco Senaldi e che io avevo seguito appassionatamente. L’artista americano aveva dispensato alcuni consigli agli aspiranti artisti tra cui quello di rendere le proprie opere brillanti, lucenti. Io avevo notato in un negozio una stampa plastificata su alluminio che risultava molto luminosa e così decisi che avrei plastificato e applicato su alluminio i miei dipinti su carta.

Anche prima della mia mostra Disegnacci e Disegnini avevo realizzato sculture che erano soprattutto assemblaggi di oggetti della mia quotidianità che diventavano qualcosa di diverso e inaspettato. E nella stessa mostra di Viafarini avevo esposto anche due sculture che avevo realizzato nel 1997: due busti ricoperti di pongo che sulla testa portavano una gallina imbalsamata con un cd nel becco. Ma i dipinti su carta  colpirono così tanto che nessuno parlò delle sculture.

Dopo quella mostra arrivarono diverse gallerie, iniziai a lavorare con Pasquale Leccese che mi portò in più occasioni all’estero, alle fiere internazionali, ma anche  nella galleria di Monika Spruth, dove feci una collettiva con altri pittori che ammiravo come Andreas Schulze e George Condo. Contemporaneamente scrivevo, e ho avuto la fortuna di pubblicare due romanzi e una graphic novel. Dal 2000 cominciai a viaggiare a New York dove rimasi diversi anni. Anche vivere lì è stato importante per la mia crescita.

P.d’A.: Ti interessa la dimensione narrativa nel tuo lavoro?

G.P.: Di solito sono argomenti di cui parlano i critici o i giornalisti. Io sono più interessato a lavorare sulle cose che mi arrivano. Le trovo, le elaboro e qualche volta si trasformano in lavori che possono avere anche una dimensione narrativa. Non è qualcosa che io decido.

P.d’A.: L’ironia che importanza ha in quello che fai?

G.P.: L’ ironia è la chiave che a volte serve per aprire la porta di un abisso.

P.d’A.: L’idea di messa in scena nel tuo lavoro ha una qualche importanza?

G.P.: La messa in scena di qualsiasi cosa è importante. Anche mettere in scena se stessi ogni mattina può cambiare le sorti della tua giornata, e quindi della tua vita.

P.d’A.: Che tipo di dialogo cerchi con lo spettatore che si trova davanti al tuo lavoro?

G.P.: Lo stesso dialogo che cerca un calciatore con il pubblico sugli spalti, mentre è totalmente concentrato a fare goal.

P.d’A.: Secondo te l’artista dove si pone nei confronti della sua opera?

G.P.: L’artista si pone supino, deve diventare lo zerbino dell’opera. Perché alla fine è lei che va nel mondo, è lei che va guardata, amata, odiata, commentata, deturpata, rubata, cancellata.

GABRIELE PICCO Nato a Brescia nel 1974, è laureato in Storia dell’arte all’Università Statale di Milano. Artista visivo e scrittore, ha esposto disegni, dipinti e sculture in spazi privati e Musei in Italia e all’estero. Ha vinto diversi premi e borse di studio tra i quali il Premio New York con il Ministero degli affari esteri, il Premio Michetti, il Premio Alinovi. Recensioni, articoli, interviste e interventi sono apparsi su importanti riviste di settore e quotidiani nazionali tra i quali Flash Art, Tema Celeste, Flash Art international, Mousse, Segno, Inside Art, Arte Mondadori, Corriere sella sera, La Repubblica.
E’ presente con i suoi lavori in importanti collezioni tra le quali il MoMa, New York, The Robert Lehman Foundation (USA) e la Montblanc collection (Amburgo, Germania).
Ha pubblicato due romanzi: Aureole in cerca di santi, con Ponte alle Grazie (2002) e Cosa ti cade dagli occhi, con Mondadori (2010), tradotto in spagnolo per la Spagna e Sud America (Seix Barral), in portoghese (Contraponto) e in Catalano (Columna) e vincitore del Premio Viadana giovani 2011.

Intervista a Gabriele Picco

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#paroladartista #intervistaartista #artistinterview #gabrielepicco

Parola d’Artista : For most artists, childhood is the golden age when the first symptoms of a certain propensity to belong to the art world begin to appear. Was that the case for you too? Tell us.

Gabriele Picco: As a child, I always had the desire to learn how to represent things on paper with coloured pencils or felt-tip pens. I used to enjoy copying Mickey Mouse comics, one day I had a competition with my cousin to see who could best copy Michelangelo’s Moses on a sheet of paper. An important figure in my childhood was my uncle Alfredo, an architect who was passionate about art and cinema and who enjoyed painting and who explained to me, for example, the meaning of certain Pollock paintings. So at school, I must have been eight years old, I amused myself by scandalising my classmates with abstract drawings. Of the holidays in the mountains with my parents, I especially remember my stops in front of the paintings hanging in the huts or hotels, imagining that one day I too would have painted my own pictures.

P.d.A.: What studies did you do?

G.P.: Liceo scientifico address artistic experimentation and then a degree in literature address History of Art at the State University in Milan.

P.d.A.: Were there any important encounters during your training?

G.P.: My uncle Alfredo, who took me to see some exhibitions, such as the one of the Thyssen-Bornemisza collection at Palazzo Ruspoli in Rome in 1990, where at the age of sixteen I was able to see Chagall, Nolde, Klee, and other masters of expressionism live. During high school, my philosophy teacher, Vincenzo Forsetti, an art lover who made me discover Burri, was important. During my university years I studied Renaissance art, but at the same time I read Flash Art and started to see exhibitions of contemporary artists. In every city I went to, I would look up art galleries in the yellow pages and visit them.

P.d’A.: What role does drawing play in what you do?

G.P.: Drawing is the unconscious talking to me, and it is from there that my ideas for paintings and sculptures and even short stories or novels almost always come.

P.d’A.: Since your first solo exhibition “Disegniacci e disegnini”, your work has developed in multiple directions Drawing, Painting in various modes, Sculpture, Installations and Novels can you tell us about some of the important steps for you in your journey?

G.P.: While reading Flash Art, I had become aware of the Viafarini archive to which I sent my portfolio. It was the summer of 1995 and I was immediately called for a group exhibition in the autumn, Conoscere, curated by Alessandra Galletta. In that exhibition I exhibited four sculptures and sold a work for the first time to a person who was not a friend or relative, but an art critic: Tommaso Trini. In 97 I took part in a workshop at Viafarini together with other young artists with Jimmie Durham, and that experience was very important for me. It was during those days that I started drawing again, something I had done intensively from the age of seventeen to twenty.  Jimmie Durham gave me a sense of freedom that I had never experienced.  That same year I was selected at the Ratti Foundation, with Allan Kaprow as visiting professor, and I had the opportunity to compare myself with artists of my age from all over the world.

The most important steps were certainly my debut solo exhibition at the end of 1998, which happened almost by chance. After my experience at the Fondazione Ratti, I took a break and dedicated myself to cinema: I had just shot a short film and was in Venice at the film festival as a spectator when I called home and my mother told me that Patrizia Brusarosco had called me. I called her back from a booth on the Venice Lido, and she asked me if I had enough material for a solo exhibition in the Viafarini space that she wanted to open in October or November.  I lied and said yes, took the first intercity train to Brescia and locked myself in my house for a month to paint. In the end there were more than two hundred works. I applied the papers on aluminium sheets, mindful of a piece of advice Andres Serrano had given at a Milanese conference coordinated by Roberto Pinto and Marco Senaldi and which I had followed passionately. The American artist had dispensed some advice to aspiring artists including that of making one’s works shiny, glossy. I had noticed in a shop a plasticised print on aluminium that looked very bright and so I decided that I would plasticise and apply my paintings on paper to aluminium.

Even before my exhibition Disegnacci e Disegnini I had made sculptures that were mainly assemblages of objects from my everyday life that became something different and unexpected. And in the same Viafarini exhibition, I had also exhibited two sculptures I had made in 1997: two busts covered with Play-Doh that bore a stuffed hen on its head with a CD in its beak. But the paintings on paper struck such a chord that nobody talked about the sculptures.

After that exhibition came several galleries, I started working with Pasquale Leccese who took me abroad on several occasions, to international exhibitions, but also to Monika Spruth’s gallery, where I did a group show with other painters I admired such as Andreas Schulze and George Condo. At the same time I was writing, and was lucky enough to publish two novels and a graphic novel. From 2000 I started travelling to New York where I stayed for several years. Living there was also important for my growth.

P.d.A.: Are you interested in the narrative dimension in your work?

G.P.: Usually they are topics that critics or journalists talk about. I am more interested in working on the things that come to me. I find them, process them and sometimes they turn into works that can also have a narrative dimension. It is not something I decide.

P.d’A.: How important is irony in what you do?

G.P.: Irony is the key that sometimes serves to open the door to an abyss.

P.d’A.: Does the idea of staging have any importance in your work?

G.P.: The staging of anything is important. Even staging yourself every morning can change the fate of your day, and therefore of your life.

P.d’A.: What kind of dialogue do you seek with the spectator in front of your work?

G.P.: The same dialogue that a footballer seeks with the public in the stands, while he is totally focused on scoring a goal.

P.d’A.: Where do you think the artist stands in relation to his work?

G.P.: The artist stands supine, he must become the work’s doormat. Because in the end it is she who goes out into the world, it is she who must be looked at, loved, hated, commented on, defaced, stolen, deleted.

GABRIELE PICCO Born in Brescia in 1974, he graduated in Art History at the State University of Milan. A visual artist and writer, he has exhibited drawings, paintings and sculptures in private spaces and museums in Italy and abroad. He has won several prizes and scholarships including the New York Prize with the Ministry of Foreign Affairs, the Michetti Prize and the Alinovi Prize. Reviews, articles, interviews and speeches have appeared in major magazines and national newspapers including Flash Art, Tema Celeste, Flash Art international, Mousse, Segno, Inside Art, Arte Mondadori, Corriere sella sera, La Repubblica.

He is present with his works in important collections including the MoMa, New York, The Robert Lehman Foundation (USA) and the Montblanc collection (Hamburg, Germany).

He has published two novels: Aureole in cerca di santi, with Ponte alle Grazie (2002) and Cosa ti cade dagli occhi, with Mondadori (2010), translated into Spanish for Spain and South America (Seix Barral), into Portuguese (Contraponto) and into Catalan (Columna) and winner of the 2011 Premio Viadana giovani.