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Parola d’Artista: Quando ha iniziato a usare il nero e perché?
Kate Mc Donnell: Durante il mio MFA (Master in Fine Art) all’Università di Bath Spa ho iniziato a realizzare opere testuali con inchiostro nero su carta bianca. Poi ho iniziato a spostare le opere piatte in tre dimensioni, ritagliando le parole in fili, formando volumi e costruendo installazioni con esse. Giocare con materiali alternativi è stato il momento in cui ho iniziato a interessarmi all’uso del nero. Ho iniziato a indagare sui significati del colore nero e sui suoi significati storici e sociali più ampi. Sono attratto dalle sue qualità cupe, ma anche dalla sua natura sublime. Significa morte, caos, saggezza, follia, vuoto, ignoto e perturbante. Penso che nell’oscurità troviamo una motivazione per la vita.
P.d’A.: Che importanza attribuisce alla fisicità e ai materiali che utilizza nel suo lavoro?
K. M. D.: Manifesto processi mentali disordinati e pensieri scomodi come atti fisici. Nello stesso modo in cui gli animali selvatici imprigionati compiono movimenti ripetitivi per calmarsi, il mio lavoro è una testimonianza di attività senza scopo e di movimenti irrequieti, di impulsività e agitazione. Le opere fisiche sono semplici resti dei processi utilizzati. Le mie opere sono imprese di resistenza. Commentano l’idea di lavoro inutile, di noia e di tempo sprecato. Attraverso la ripetizione creo una scala. I processi sono un ciclo di rielaborazione, strappo, torsione, frantumazione o cancellazione, passando dall’entusiasmo alla noia e dall’altra parte a una cupa determinazione.
Applico queste azioni a materiali economici ed effimeri che si trovano facilmente nella nostra vita quotidiana. Uso scontrini, penne a sfera, pane, carta velina, biglietti d’auguri e vecchi abiti, e sto iniziando a studiare l’uso della carta da parati. La loro ubiquità e l’apparente mancanza di valore possono riflettere un senso di inutilità, ma anche evidenziare il contrasto tra gli ambienti umili e le intense emozioni che vi si possono provare.
Le opere evocano il sublime attraverso questa inquieta contraddizione di materiali e processi ripetitivi estremi.
P.d’A.: Come si posiziona rispetto al suo lavoro?
K. M. D.: Il mio punto di partenza per un’opera è spesso un materiale e il processo viene dopo. Quando inizio un progetto, spesso ho un’idea chiara di come sarà il lavoro alla fine. Molto raramente le mie opere si conformano alle mie idee. Quando penso che qualcosa debba essere nitido, teso ed energico, si affloscia e si blocca in modo sconsolato. Sono oggetti ostinati e mal educati, e ho scoperto che i risultati migliori si ottengono quando metto insieme i componenti e me ne vado, lasciando che facciano quello che vogliono. I risultati grumosi e deformi non sono in alcun modo artificiosi. Il lavoro diventa davvero un residuo di processi molto impegnativi e mirati.
Kate Mc Donnell Biografia
La mia mostra più recente, “We Are For The Dark”, è stata realizzata in collaborazione con Nicola Turner al 195 di Mare St. Hackney, Londra, nel settembre 2023 ed è stata selezionata per il John Ruskin Prize. All’inizio dell’estate ho presentato la mia prima grande mostra personale alla Art House di Wakefield, dopo le installazioni alle cattedrali di Chichester e Wells nel 2022. Sono stato anche inserito nella lista dei candidati all’Aesthetica Art Prize. Nel 2021 ho ricevuto il Gilbert Bayes Award, sono stato nominato ArtConnect Artist to Watch, sono stato selezionato per il New Emergence Art Prize e ho ottenuto una residenza presso la West of England Combined Authority. Ho anche vinto il premio Drawing Special Mention del Refresh Art Award.
Ho conseguito un MFA presso la Bath Spa University nel 2018 e in precedenza ho studiato alla De Montfort University e alla Central St Martins. Nata a Birkenhead, Liverpool, ora vivo e lavoro a Bath, dal mio appartamento all’ultimo piano con vista sulla città.
Per maggiori info: http://www.katemcdonnell.co.uk
English Text
Three questions to Kate McDonnell
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Parola d’Artista: When did you start using black and why?
Kate Mc Donnell: During my MFA (Masters in fine art) at Bath Spa University I started making text art using black ink on white paper. I then started moving the flat works into three dimensions, by cutting the words out in strands and forming volumes and building installations with them. Playing with alternative materials is when I really became interested in using black. I started to investigate the meanings of the colour black and its wider historical and societal meanings. I’m drawn to its sombre qualities, but also its sublime nature. It signifies death, chaos, wisdom, madness, emptiness, the unknown and the uncanny. I think that in darkness we find a motivation for life.
P.d’A.: What importance do you attach to the physicality and materials you use in your work?
K. M. D.: I manifest disordered mental processes and uncomfortable thoughts as physical acts. In the same way that imprisoned wild animals engage in repetitive movements to self-soothe, my work is a testament to purposeless activity and restless movement, impulsiveness and agitation. The physical works are mere remnants of the processes used. My works are feats of endurance. They comment on the idea of pointless labour, boredom and wasted time. Through repetition I create scale. The processes are a cycle of redacting, tearing, twisting, crushing or erasing, passing from enthusiasm to boredom and through the other side to a grim determination.
I apply these actions to cheap and ephemeral materials readily found in our everyday lives. I use till receipts, ballpoint pens, bread, tissue paper, greetings cards and old clothing, and I’m starting to investigate using wallpaper. Their ubiquity and apparent lack of value can reflect a sense of worthlessness, but also highlight the contrast between humdrum environments and the intense emotions that can happen there.
The works evoke the sublime through this uneasy contradiction of materials and extreme repetitive processes.
P.d’A.: How do you position yourself in relation to your work?
K. M. D.: My starting point for a piece is often a material and the process comes later. When I start on a project, I often have a clear picture of how the work will eventually look. Very rarely do my works conform to my ideas. When I think that something should be sharp, tight and energetic, it’ll slump and hang dejectedly. They are wilful and badly-behaved objects, and I’ve found that the best results are when I mass the components together and walk away, letting them do as they please. The lumpy and misshapen results are not contrived in any way. The work then really does become a remnant of the very involved and focused processes.
Kate Mc Donnell Bio
My most recent show ‘We Are For The Dark’, was a collaboration with Nicola Turner at 195 Mare St. Hackney, London in September, 2023 and I was shortlisted for the John Ruskin Prize. Earlier in the summer, I presented my first major solo show at The Art House, Wakefield, following my installations at Chichester and Wells Cathedrals in 2022. I was also longlisted for the Aesthetica Art Prize. In 2021, I received the Gilbert Bayes Award, was named an ArtConnect Artist to Watch, shortlisted for the New Emergence Art Prize, and earned a West of England Combined Authority residency. I also won the Drawing Special Mention prize from the Refresh Art Award.
I have an MFA from Bath Spa University, 2018, and previously studied at De Montfort University and Central St Martins. Born in Birkenhead, Liverpool, I now live and work in Bath, from my top floor flat overlooking the city.
Moor on: http://www.katemcdonnell.co.uk
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