Nello studio di Johan Gelper (▼scroll down for English version)

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Il mio studio è uno spazio in cui mi concentro sulla ricerca di immagini all’interno di un linguaggio visivo personale, non influenzato da tendenze o mode. In questo studio d’artista in continua evoluzione, cerco sempre di avvicinarmi alle tecniche con cautela, evitando di perseguire uno stile formale.
Lavorare con pezzi tridimensionali sottolinea l’importanza dell’impegno fisico. Una fotografia non può mai racchiudere completamente l’essenza di un’opera; per apprezzare veramente le sculture e le installazioni che creo, bisogna viverle in prima persona. Tuttavia, credo che la foto di accompagnamento possa fornire un’impressione iniziale a chi visita il mio studio. Scattata dalla fotografa Giorgia Di Tria circa un anno fa, la foto può inizialmente apparire caotica. Tuttavia, con il tempo, si inizierà a scorgere una certa struttura di fondo. È importante notare che il mio studio è in continua evoluzione, proprio come un processo organico. Un’ispezione più attenta rivela la mia particolare tavolozza di colori all’interno delle scaffalature di vari materiali e oggetti. Alcuni oggetti sono disposti ordinatamente, mentre altri pendono dal soffitto. Verso il fondo dello studio, si trova un’area di stoccaggio dove i lavori più vecchi sono accuratamente imballati. Lo spazio anteriore, invece, presenta una combinazione di elementi scultorei, lavori in corso e oggetti vari che entrano a far parte delle mie installazioni. Questi elementi possono stare da soli o servire come componenti per opere più grandi. Gli oggetti trovati, spesso banali come sedie o attrezzi da giardino, costituiscono i materiali principali con cui lavoro. Riutilizzandoli, creo disegni spaziali che trascendono il loro scopo originario. Spogliati della loro funzionalità iniziale, questi oggetti non solo acquisiscono nuovi significati, ma diventano anche parte integrante del mio metodo di lavoro.

Nelle foto successive si vede un’altra area del mio studio, che offre una prospettiva alternativa. Qui lo spazio appare meno caotico, soprattutto grazie all’angolo con le pareti bianche. Questo angolo ha un’importanza significativa per me. Cerco di mantenerlo pulito e vuoto, in modo che sia uno spazio per la valutazione e l’analisi. È qui che fotografo anche i pezzi, consentendo l’introspezione e l’analisi critica di ogni nuova creazione. In sostanza, il mio studio si occupa tanto di organizzare e sistemare quanto del processo artistico stesso. Prima di ogni mostra, mi piace
un allestimento di prova che tenga conto dell’ambiente specifico in cui verrà esposta. La luce, lo spazio, l’ambiente circostante e l’attenzione sono elementi cruciali che contribuiscono alla creazione di ogni “disegno spaziale smontabile”. Questo processo permette di incorporare il caso, l’interazione e il contesto nella definizione di ogni presentazione. Gli oggetti trovati sono i miei materiali principali.
oggetti ordinari e quotidiani come sedie o attrezzi da giardino, ma attraverso la rimozione della loro funzione originaria vengono trasformati in “disegni spaziali smontabili”, adattabili e specifici per ogni luogo.

Un dettaglio specifico che potete vedere nelle foto seguenti: un insieme di colori, sempre catturati dalla fotografa Giorgia Di Tria. Lavorando con oggetti trovati, spesso questi hanno colori unici, che derivano dalla tonalità naturale del materiale o da uno strato di vernice che aggiungo. Per esempio, i due cerchi d’acciaio sospesi rappresentano colori trovati, che assomigliano a schizzi in attesa di essere trasformati in sculture o dipinti. Anche se inizialmente ricordano dipinti astratti, questi oggetti sono, in fondo, solo oggetti trovati che attendono pazientemente di essere integrati nel mio linguaggio visivo. Con il tempo, alcuni di essi trovano posto all’interno di opere selezionate, a volte anni dopo la loro scoperta iniziale. La selezione delle parti scultoree è parte integrante del mio processo e non vengono mai prodotte in serie. Queste parti o oggetti sono appesi alle pareti del mio studio o vi rimangono per anni prima di decidere quando diventeranno sculture. Anche allora, queste opere non sono mai veramente finite. Sono costantemente adattabili all’ambiente circostante, sia come parte di opere site-specific più grandi, sia come pezzi smontabili o oggetti effimeri.

Le foto seguenti esemplificano ulteriormente questi processi. Nella prima, si può osservare una vibrante collezione di colori, mentre nella seconda si possono vedere gli elementi di questa collezione in una costellazione spaziale. Per esempio, un oggetto dipinto realizzato con legno e acciaio trovati, sebbene inizialmente assomigli a un quadro, alla fine diventa parte di un’installazione in-situ o site-specific, che funge da allestimento di prova o da creazione temporanea nel già citato angolo aperto del mio studio.

English Text

Artist studio Johan Gelper

#paroladartista #artiststudio #johangelper

My studio is a space where I focus on seeking out images within a personal visual language,  unaffected by trends or fashions. In this constantly changing artist studio, I always strive to  approach techniques with caution, avoiding the pursuit of a formal style. 

Working with three-dimensional pieces emphasizes the importance of physical engagement.  A photograph can never fully encapsulate the essence of a work; to truly appreciate the  sculptures and installations I create; one must experience them firsthand. However, I believe  that the accompanying photo can provide an initial impression for those visiting my studio.  Captured by photographer Giorgia Di Tria about a year ago, the photo may initially appear  chaotic. However, with time, you will begin to discern a certain underlying structure. It is  important to note that my studio is continually evolving, much like an organic process. Closer  inspection reveals my distinctive color palette within the racks of various materials and objects.  Some items are neatly arranged, while others dangle from the ceiling. Towards the back of the  studio, you will find a storage area where older works are carefully packed away. In contrast,  the front space showcases a combination of sculptural elements, works in progress, and  miscellaneous objects that find their way into my installations. These elements can either stand  alone or serve as components for larger works. Found objects, often mundane items like chairs  or garden tools, constitute the primary materials I work with. By repurposing them, I create  spatial drawings that transcend their original purpose. Stripped of their initial functionality,  these objects not only acquire new meanings but also become integral to my working method. 

In the next photos, you can see another area within my studio, offering an alternate  perspective. Here, the space appears less chaotic, primarily due to the corner with white walls.  This corner holds significant importance for me. I try to remain it clean and empty, serving as  a space for assessment and evaluation. It is here that I also photograph pieces, enabling  introspection and critical analysis of each new creation. In essence, my studio is as much about  arranging and organizing as it is about the artistic process itself. Before any exhibition, I like to conduct a test setup considering the specific environment where it will be showcased. Light,  space, surroundings, and focus are crucial elements that contribute to the creation of each  “demountable spatial drawing.” This process allows for the incorporation of chance, interaction,  and context in defining every presentation. Found objects serve as my primary materials – ordinary, everyday things like chairs or garden tools – but through the removal of their original  function, they are transformed into “demountable spatial drawings” that are adaptable and  specific to each site. 

A specific detail you can see on the following photos: a collection of colors, again captured by  photographer Giorgia Di Tria. As I work with found objects, they often come with their own  unique colors, stemming from either the natural hue of the material or a layer of paint I add.  For instance, the two suspended steel circles represent found colors, resembling sketches  awaiting transformation into sculptures or paintings. While initially reminiscent of abstract  paintings, these objects are, at their core, just found items patiently awaiting integration into  my visual language. Over time, some of them find their place within selected works, sometimes  years after their initial discovery. The selection of sculptural parts is an integral part of my  process, and they are never produced in series. These parts or objects hang on the walls of  my studio or remain there for years before I decide when they will become sculptures. Even  then, these works are never truly finished. They are constantly adaptable to their surroundings,  whether as part of larger site-specific works, demountable pieces, or ephemeral objects. 

The following photos exemplify these processes further. On the first, you will observe a vibrant  collection of colors, while on the second, you can see elements of this collection in a spatial  constellation. For instance, a painted object crafted from found wood and steel, although  initially resembling a painting, ultimately becomes part of an in-situ or site-specific installation,  serving as a test setup or temporary creation in the previously mentioned open corner of my  studio.